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油画材料的了解和一些画油画的基本知识

发布日期:2012-02-29  浏览次数:3478 关键词:

油画材料的了解和一些画油画的基本知识:

油画颜料又分透明和不透明颜料两大类。
    透明颜料是指某种色粉在与油调和后产生透射作用而使色层处于透明之中,透明色具有色相饱和、笼盖力差的特点。不透明色(或称粉质色)则是指色粉与油调和后产生反射作用而使色层处于不透明的状态,不透明色具有色相其实、笼盖力强的特点。透明色一般包括深红、翠绿、普蓝、群青、深褐、紫罗兰、象牙黑等。不透明色一般有白色、土黄、土红、粉绿、中黄、柠檬黄、大红、朱红、湖蓝、钴篮等。颜料中还存在染色能力的强弱之分,这是因为各种不同色料被别的材料吸收的程度不同造成的,我们在调色中可以感觉到各种颜料有着不同强弱的影响力,如深红、普蓝、翠绿等就属于较强染色力的颜料。在绘画调色中染色力弱的颜料使你在运用中总有使不上劲的感觉,而染色力过强的颜料不得不使你随时想去按捺它。所以,我们可以尽最选择一些染色力适度的颜料来起一个中介作用,使颜料在调配中易于调和并有益于掌握色彩在纯度上的分寸。一般来说白色、土黄、土红、粉绿等粉质颜料都是易于调和的中介色。


1、用线起形
    用线启形是自古以来画家在绘画的最初阶段采用的普遍方法。自原始绘画以来,用线造型便成为人们对复杂形体进行概括的有效之法,由于线条是形体边界的表示,它能分割不同外形的面积,也能表现各体积之间的关系,更重要的是能获得人们在形体熟悉上感性和理性的认同。因此无论油画终极效果在层次上、色阶上多么复杂,线条在最初阶段的提炼和概括却至关重要,它首先表现为对大的构图的设置,其次则是对各部门形体的定位与描绘。因此,构图与大形的编排在这一阶段必需基本确立,而在后阶段很少进行改动,这是传统油画在启形上严谨的表现,所以要求最初的启形必需严格而考虑周全。
    我们可以从古典巨匠们的素描看出他们对形体的概括和表现,更可以看出他们的素描是直接为油画启形而服务的,而不是作为独立审美价值而存在。那时的素描大都以线为主,而很少有色调层次,除边线的穿插表现形体外,便是以转折或明暗接壤线来简练地表示画面中的体积和光影关系。这种简练的线描形式更适于层次复杂、细节丰硕的油画在最初阶段的简练启形。古代画家多半是直接先用纸画素描,再用纸背涂木炭或色粉将素描拷贝到做好底子的画布上去。这种方法适于造型上非常严谨的风格的画家,不仅能稳妥地获得正确的造型,而且又不至于像在画布上直接素描那样伤害画布表面。也有在画布上直接用丹配拉或松节油和颜料画出素描关系的方法,不外最普遍的仍是先用色粉或木炭拷贝形后再用丹配拉或松节油调颜料画出单色的薄油效果。
    启形的目确当然是为作品奠定一个形的基础,为了达到正确而精细的最后效果,启形必需严格而清楚地交待出形体在素描上的基本内容,这一程序往往决定着后来深入刻画的成功。但在传统油画中也有的画家打形时只画大的关系、大的气魄,用线松动,有的近似潦草,而将正确详细的东西留在后阶段来逐步进行,这样往往能获得一些意想不到的生动效果。不外这两种方法与后期制作也有很大的关系,假如是在铺色阶段以局部逐个进行的话,则最好先将形用线描绘得充分而正确,但假如是铺色时是以整体进行的方法,则最好是用灵活而不太审慎的用线方式打形。


 2、第一遍铺色
    第一遍铺色的主要目的是简练地画出大的色彩区域、大的形体关系,以及为后来的肌理、色层打下好的基础。
    这里所说的大的形体关系是指概括而整体地对待画面中的各个形体,省去在素描意义上小的细节和小的变化,减少明暗层次,甚至可以将体积、起伏归纳为大面积的平面化效果而进行概括。
    大的色彩区域是指将色彩的各种细小的变化简化为基本的固有色倾向,而色彩的冷暖变化和固有色细节等都尽量概括到大的固有色里。
    从肌理上讲这第一遍铺色应尽量蕴藉、厚薄平均、衔接天然,而不应该将最后效果的肌理强弱对比过早显示出来,假如已画出的,可用扇形笔柔化或用画刀去除,为后来真正的塑做作预备。
    从色层上讲这层颜色应尽量比最后效果粉一些、灰一些,也就是说不要一下子将色彩的纯度和对比画到最后的效果,这样可以给后来的罩染留有余地。而且这层色应尽量少用调色油,应以松节油为主或加很少的调色油薄薄地画出每个色域,最好不漏过每一个部门,包括暗部在内也要用这种含粉而少调色油的色层垫底,由于含粉多而少油色层有好的吸收性,罩上的纯色尽管含油重也不会发粘,而且与底色层综合后能恰当地获得纯度上的分寸以及色相的正确度。


 3、逐步塑造
    塑造是指在第一遍铺色的大致平面效果上用笔触进行由大到小的体积建立,目的是使形体和色彩逐渐明晰、其实。因为第一遍色很可能将启形的线条几乎笼盖掉,这便需要我们器具有一定色彩差别的重色重新勾勒,确定形体的轮廓与结构,同时,从暗部画向亮部的逐渐塑造。详细地讲,塑造阶段有几个方面的意义,首先当然是由平面感向体积感渐近,完成素描上的任务;第二,从肌理上讲可以逐步建立差距;即将肌理的强弱与体积起伏的强弱同一起来,呈现出肌量显著的部门也是形体的高点或强点部门;第三,在色彩上可以通过塑造形体的笔触变化来同时顾及色彩的变化。
    塑造是循序渐进的,不要一开始便想出最后效果,把最强劲的笔触表现出来,而应每画一遍都得考虑到下一遍的顺利进行,由于从肌理和颜料的附着上讲,肌理过早定型后不利于后阶段的修正,而且开始的颜料层过厚形成坚固光滑的结膜,不利于后阶段色层的附着,所以塑造必需是由薄到厚地逐层进行,同时在用油上仍旧必需遵守“肥盖瘦”的原则,让含调色油多的色层留在以后的透明罩染上。
    塑造必需有的放矢,而不应满篇厚涂。必需做到对形体的强弱、肌理的强弱、暗部亮部的对比等有相称的掌握和考虑才能进行。好比应控制厚色的相对范围,切不可将塑造的范围任意扩大,而造成肌理和体感的混乱。一般来说是捉住高点或亮部尽量进行笔触塑造,而对待暗部和中间层次则应柔和且留意衔接,色层的厚度上也应相对薄一些。
     当然塑造的笔触也是相对的,在有的画家那里笔触的强弱差距是很大的,而另一些画家则喜欢将差距控制在微妙的跨度之间。但总的来说都是缺不了塑造这一阶段的,不然就不能产生油画特有的表现形体的那种其实感。
    在塑造这一阶段的色彩相对第一遍铺色时,纯度上应高一些,但也不能一下子达到最后效果,同样要为罩染留有余地,相对第一遍色时,在色相上就可以从大到小地寻求变化和特征了。其中包括亮部和暗部的冷暖变化及固有色的色相变化。加上塑造中笔触的变化,在这时色彩的差异感便逐渐显示出来了。


 4、罩染及再塑造
    在传统古典油画技法中,罩染和塑造是交替进行、互为增补的,这使得油画具有极强的表现力。假如没有含粉厚色的基础,纯粹的罩染是不可能传达精彩彩在纯度上的层次,由于只用透明色是无法表现出各种程度的灰色变化的,更无法表现出肌理上的差异感。相反只有如直接画法的塑造又不可能获得在色彩上既透明又具有灰色在纯度上的灵活性,而且也不能形成色层的丰硕感,更不能获得氛围上整体笼罩感。
    在传统油画的制作过程中,老是以塑造来完成建立形体、坚实形体、凸起肌理的任务。另一方面又老是以透明或半透明罩染来平衡和协调形色的大关系,体现微妙的形色、肌理、层次上的变化。这两方面的不断增补和调整便形成了传统油画那其实、丰硕、细腻、润泽、透明的完满品质。
    罩染是指用调色油或媒介剂稀释颜料来进行透明或半透明薄染的方法。它是传统油画技法中最重要而特殊的一种技法,它直接将油画形色中既润泽又透明的特性和长处显示出来,成为后人在技法上一直追寻和研究的课题。没有透明罩染便没有古典油画中的素描层次、肌理层次、色层层次、冷暖层次。我们知道古代油画都不是一次完成的,而是通过多次笼盖、罩染达到最后效果。塑造是传统油画重要的基础步骤,那么罩染等于对这一基础逐步推进的手段。首先它可以逐渐加强明暗对比,其次可以加强色彩的饱和度,另外可以同时使某些部门在形色上同一、柔和,最后还可以达到强化肌理的作用(即将偏深的透明色积染在偏亮的肌理沟缝之中,使肌理显著)。半透明罩染则是对透明罩染的一种修正与增补,在多次罩染中,因油积过重,有时会显得色彩焦灼(即过分饱和),这时可以用含粉的半透明罩染给予弥补(半透明色是指含有粉质的颜料的稀释色),这样既达到罩染的目的,又不至让一些蕴藉的灰色失去魅力,同时也起到协调与柔和之作用。
    但是一切罩染必需有一个基本条件,那就是必需遵守“肥盖瘦”的总体原则,每次罩染都应在较为吸油的基础长进行(这与底子有关),徐徐达到结上一层带光泽的膜,而不能在已经很光亮或发粘的基础上不断地再罩染,否则便会带来很多后患,如永远粘手、日久不牢而氧化等。所以罩染的技法要求很高,罩染的次数不能太多,而且必需在层层瘦底塑造的基础上逐渐肥化才能获得一层天然而坚固的膜。在此过程中就要求开始阶段尽量少用调色油(用在松节油中逐渐加调色油的方法),这样才能给后阶段创造前提,以达到油色最好的结膜为目的。每次罩染之间不必等它过干,只要运用软羊毫,而且底子的吸收性适当,都能取得好的效果。距离时间大概在两天左右,太短会造成油重的积弊,太长而干透后反而影响日后的附着力。不外这种等干的时间还得根据天气的情况而定。考虑到颜料层的耐久性,罩染的油料不能仅用亚麻油或核桃油,尽管它在运笔上的恬静和流畅是无可替换的,也免不了天永日久后的氧化。所以古代艺术家往往加入一些树脂光油,如玛蒂光油、达玛光油,由于树脂是较耐氧化的。另外还有一种称为媒介剂的东西,是由一种加黄铅并熬炼的熟油与玛蒂光油1:1混合后形成的膏状透明物,用以罩染不会滴淌,但其干涩程度不宜于整体进行的画法或画大画,只相宜局部进行的画法或小画的操纵。
    总的来说罩染与塑造平等重要,两者相辅相成,罩染虽然轻易出效果,但它也是冒险的,不能过分依靠它,由于油的含量过多究竟不是好事,会造成日后的变黄、氧化等。如把握得当却能丰硕和同一画面效果,同时达到很好的耐久的结膜结果。
    再塑造是指在每次罩染后再进行形体和肌理的塑造,特别是针对一些高点及亮部应进行反复罩染后的反复塑造,这样更能增强形体、肌理及色层的丰硕感厚重感,也便于更充分地刻画物象的细节和色彩的细节。再塑造中的一些干皴笔法还能表现出一些细腻的中间灰色,有的把它称为“视觉灰色”,这又是罩染或直接画法所不能达到的效果。


 5、全面罩染
    罩染还分局部罩染和全面罩染,局部罩染相宜刻画细部,全面罩染则有利于画面的整体关系及整体表面光泽的平均一致。反之局部罩染过多则会影响这种关系。
    在我们用反复笼盖、多次罩染进行对物象的塑造、刻画中,免不了会产生对整体关系和气氛的忽视,从形体和色彩上或是肌理和色层上都会顾了局部而失去了整体的关系。这时需要我们用含油量相对浓稠的透明色对整个画面进行全面的罩染,色彩的选择可以根据自己对总的色调的需要来考虑。这样便可以获得一种浑朴、圆润的形体感;一种谐和、明澈的色彩气味;一种亚光而润泽的表面油层;各种丰硕的肌理和色层都被笼罩于其中,产生出一种凝重而浑厚的艺术感染力。


 四、传统油画技法中的几大基本准则
    传统技法的基本准则是根据传统巨匠们在技法上的共同特点及审美尺度,并针对其特特效果而总结出的有益于技法的全面实施的详细原则,其中涉及制作程序、作品的耐久性以及形、色、肌理表现等方面的内容。这些原则有利于匡助我们更清晰而简括地把握古典油画的技法要领,更有效而深入地体验其技法与审美之间紧密亲密的联系。我们可以在实际制作过程中体会以下四个方面的内容。


 1、先粉灰后饱和
    先粉灰后饱和是针对透明画法而言的一种有效之法,在古代鲁本斯即有“肥盖瘦”之说。它首先是为了确保油画颜料的顺利结膜及油画的耐久性而提出的。颜料形成坚固的膜需要色粉与调色油达到一个最为合适的比例才能实现,粉重和油重都不能达到结膜的牢固和长久。因为是多次画法必需考虑它的每一步骤的承上启下的作用。为了利于制作的有效进行,将含油较多的颜料笼盖于含油较少的颜料不仅有助于层层的附着能力,而且能将最牢固的结膜产生于最后的表层上,反过来这种表层又必需依靠于层层含粉颜料适当的吸收性。另外“肥盖瘦”不仅是从油画颜料结膜的特性来考虑的,也是关系到透明色与不透明色的作用所产生的终极透明效果而言。纯粹的透明色一般含油量比较饱和,笼盖力差,不能切当地表现色彩纯度变化和天然界中各种灰色感慨感染。它必需通过对底层的比对象本身饱和度低一些的色彩,也就是粉一些色彩之重叠才能达到对天然界各种色相纯度的正确表达。相反其他粉质颜料尽管具有明确的色相和笼盖力,却不具备透明的特性。色彩的终极正确度必需靠多次的塑造和罩染即纯度的逐层增加而达到,与此同时不仅获得了色层的终极透明感,而且形象的终极结果也随之逐步得以刻画和呈现。
    在早期的传统油画中大都以“提白”的第一层色为基础后直接实施透明罩染的方法,也就是先用单色表现出比较深入和完整的素描关系,然后直接用各种纯度极高的透明色表现出各种固有色的区别和变化。这实际上也是一种简朴的“肥盖瘦”之法,其画面效果适于较为工整、平面而装饰的画风,色彩的色相也相对分明而纯粹。这种方法为了让重色深下去,往往需要良多次罩染才能完成,因为油量太多,很轻易造成堆积而不干、发粘。所以那时期的油画往往是暗色区域色层很厚、亮色区域则很薄,也就是说在“提白”时将暗区域均匀地堆上了很厚的粉质色,这是为了让多次罩染更利便。
    但跟着油画的不断发展,人们要求“肥盖瘦”能更正确而生动地表现真实的形体空间和虚实,表现色彩在纯度上和冷暖上的丰硕变化,所以“肥盖瘦”之法便发展成为多层次、多变化的法则了。其特征为第一遍色便以低纯度的粉色表现出大致的形色关系,每一种粉灰色都带有未来色彩的倾向和明度,例如将来是很重的玄色,在这里就只把它画成黑灰色,鲜艳的红色则画成较粉的红色或亮黄色,这些都是为下几个步骤逐渐肥化的透明纯色罩染作预备。这样相对粉灰的颜色与纯度高的透明色之重叠而达到丰硕的色层、肌理及正确的色相和纯度。伦勃朗等于将此技法推向极致者,他的亮色全是同一于油层之下的,暗色也不是简朴的透明色,而是依赖对柔和的重灰色重叠所产生出一种既透明又厚实的油画韵味。所以他的画在色彩上是极富魅力的,饱和而不艳俗,也不焦枯;透明而不乏对细微灰色的比较和表现,在总体的厚重感中能让你体味到天然中最生动而微妙的形色关系以及油层和肌理的最佳契合,这实质上是将天然中一切生动的形色特征升华于油画材质及语言的美感之中,从而获得油画的极度表现力。


2、先平面后体积
    这是一个素描意义上的题目,实质上是一种从整体出发的观念。传统意义上的绘画是在平面上创造立体空间。那么,平面是一切空间可能性的基础,有了这个基础,画家便可以将自己的想象力驰骋于无穷的纵深空间中。不外,绘画中的空间体积以及起伏都是相对的,是在每个形体、体、面的相互比较、对比中建立起来的,画家的任务是主动地掌握其中的关系,让体积空间适应自己的需要。
    我们可以在古典油画巨匠们的作品中,看到他们是如何处理画面中平面与体积的关系的。从他们的素描中,我们能看出这一点,他们所表现出的丰硕的体积起伏和空间层次,竟是运用最简炼的几根轮廓线或转折线,这些由线所包抄的体积部门的深浅色调实在与没被包抄的部门是相同的,而且都是原始的平面,但因线条所具的表现功能,让观者造成在形体上的视幻觉,而产生体积与平面的反差感。可见,平面上边线的作用下会产生一种对体积的暗示,从而达到建立体积秩序的目的。在油画中就能看到巨匠们对这种相对性的利用,在各个不同明度的色彩区域里,老是从平面中去建立各区域强弱不同的体积秩序,有的被塑造和强化,有的则轻微暗示或维持原状。但从总体上来讲,古典油画中形体的体积感都是听从于大的平面感的,所以在各种形体的体积塑造上都是有节制而听从于大的秩序的。在这种条件下,每个平面区域中的体积建立便被控制在一个明度和色彩的范围之内,这样便迫使其层次细腻化、微妙化,所以良多亮部仔细看来没有多少的色调层次,但将它放进整幅画的关系中,却非常其实而具有体感。女人胸部及肩头的色阶跨度并无多大,却表现出了体感、空间及起伏。因此,大的平面感是古典油画体积秩序的总体原则,而一切细小的体积变化应是从平面中相对而立的,且必需听从大的秩序。
    先平面后体积能让我们对起伏的掌握更为主动和利便,在相对平面的对象上我们可进可退,有选择地塑造某些应该凸起部门的体积,其他则放松,让它得意其位,也就是说让我们在平面上有秩序地建立应有空间、体积的强弱关系。假如没有这种意识,就轻易在画画时把每个局部的体积起伏都表现出来,结果失去了画面本身的强弱秩序,让每部门的起伏程度相互抗争而造成相互抵消,失去整体效果。
    另外,先平面后体积也是考虑到制作程度的先后关系而得出的。体积的塑造本身也是逐层进行的,古典油画的色阶细微层次必需通过多次透明、半透明、不透明的画法来完成,所以塑造老是循序渐进的。在平面上先建立相对体积,伴跟着每次的塑造罩染逐步再建立极端体积。这也是先平面后体积的原因之一。


 3、先取固有色,后找变化色
    绘画中的色彩是繁复而多变的。色相作为色的本质因素,决定着画面的色调和色彩的结构关系。物体的固有色相是天然中物体上的色彩特征通过我们的感官而划定的,又被我们的感性和理性所熟悉的,所以,绘画中的固有色主导论是一种原始的、朴素的色彩观。传统的古典油画就是根据这一大的色彩观,来指导其技法中色彩的处理手段的。先取固有色,后找变化色是一个从简到繁、从整体到局部的色彩表现过程。将变化各异的色彩回归到同一而明确的固有色上,有利于我们掌握各大色域的整体关系,使各部门的色相在大的对比和互补中产生力度,而色彩的细节变化则应建立在这种大的关系之中。这是传统油画在色彩上的基本原则,可见固有色原则在传统油画的色彩系统中的重要性。
这里所指的固有色原则不是指用调色板上简朴而直接的纯色来概括和代替所画对象的色相,而是指包括对色彩的明度、纯度特征的正确掌握后的一种色彩倾向,所以其中便包括了天然界的所有复杂色相。而且这种固有色原则主要是从观察色彩的方式上出发的,也就是说在观察和概括色彩时必需将对象的细小色相变化、明度、纯度变化都同一在它们综合后的大色相中。所以固有色的区域设置是我们在绘画的最初阶段必需考虑的,有了这一基础就便于我们从不同的角度寻找其后的色相变化。跟着细节的深入,色彩的细小变化也相应深入化、丰硕化。我们可以从开始设定的固有色中寻找左右的临近色甚至对比色,好比,在我们最初设定的暖黄灰肤色中,可以找出倾红和倾绿的色彩,甚至倾紫的色彩。但这种变化的寻找又是相对的,它们必需在暖黄色大的倾向中呈现。所以找出的变化色实际上仅有微妙的变化倾向就足以显示其互补色关系,这时便可以使色调变得更加丰硕和生动了。但假如一开始便注重色彩的各种变化,势必影响色彩大的秩序,而且也不利于塑造和肌理的逐层进行。由于每次塑造和肌理推进的内容本身就包括色彩推进的内容,也就是说色彩细节的表现必需依赖塑造和肌理的表现才能逐步获得。假如仅有色彩的表现而失去了体积的塑造和肌理的表现,就不能说是一种使油画的品性美得以完美体现的技法。所以在表现色彩因素时还得顾及其他因素的同步表现。另外,先从简洁的固有色入手,可使我们有选择地针对某个主要部门进行色彩细节的刻画,从而放松其他需要简化的部门,形成大的对比关系。在这点上,我们可以从良多古典油画作品中看到他们处理上的特点。作品中的重点部门,如面部或一些亮部的色彩细节就特别丰硕和出色。而一些次要部门,如背景、重色的服装和衬布等则被处理得单纯和平整,色彩上几乎没多少变化。


 4、先柔和后肯定
传统古典油画的可贵之处在于它将肌理的强弱秩序融合于体积、明暗的强弱秩序之中,而产生一种极度的和谐之美。
    在油画的发展史中,油画一经产生就决定着其具有肌理的特征和肌理的美感。早期油画中的肌理是在简朴的纯透明罩染油层之下,所采用的单色提白中的作画痕迹显露出来的。但跟着油画在造型与色彩上所提出的不断要求,特别是自提香、鲁本斯将油画的肌理从亮薄暗厚改为暗薄亮厚以来,肌理便真正焕发出它自身的生命力,并与形色一起汇入油画大的节奏与韵律之中,也就是说肌理的强弱同样表现着形色的强弱,影响着画面的整体情绪。因此,油画的肌理与形色一样,介入着整个作品大的和谐之中。那么,在古典油画的普遍技法中,为了建立这种和谐必需将肌理在制作中的逐步推进与体积、明暗、色层等的逐步推进保持同步。因为古典油画在制作上的程序性,所有的步骤都是循序渐进的,因此,为了保持画面肌理的完美,一般不将塑造形体的笔触事先固定过死可堆得太厚,不然会影响油画多次画法的制作和油画魅力的表现,因此肌理的由弱到强在古典绘画中犹如上缓坡一样是逐渐攀缘的,每一个小变化都是在大的秩序之中显现的。从制作程序上讲,事先太固定的东西未必在制作推进中就不会被改动,改动过多,势必造成其他各种因素和秩序的混乱。所以只有在形色的各方面前提慢慢成熟后,塑造也才慢慢地得以肯定。因此,在开始阶段老是对各部门形色、明暗等关系进行相互衔接、相互过渡、相互柔和的掌握一种整体关系,在肥盖瘦的大原则下,逐步走向肯定、对比、明晰。这样在肌理由弱到强的秩序上,才能将逐步确定的重点或高点加以正确的塑造和强化,也只有这样才能将整个画面暗部的表面光泽与亮部的表面光泽形成一定的差别。但因为是逐层推进,这种差别又不至于过大,从而形成一种整体的、匀称的、和谐的光泽感和肌理感。
    另外,从塑造形体上讲,先柔和、后肯定也是一种从整体到局部的步骤,即从一种大感觉和印象入手,而步入理性化、深入化,终极达到一种对对象明确的、坚定的呈现,即通过更清楚而肯定的笔触肌理来强化形体、丰硕形体,再加上后阶段的透明罩染,使得这些塑造的痕迹更加显著和切当。在色彩的表现上也是如斯,复杂而布满变化的肌理和笔触是色彩上的微差和细节得以展示的方式。在步骤上的先柔和就是求得一种色彩上大的融合与协调,将各种色彩细节归纳于同一的色调之中,以便在此基础上展开色彩的分解和跳动。这些分解与跳动等于对彩色细节的终极肯定,从而获得色彩的魅力。

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